Carmen y Henry

Google: Behind the Screen

2006-12-21T14:06:00.000-08:00

2006-12-12T12:49:00.000-08:00

Querido Henry,
Esta vez es de verdad, has partido a las lejanas tierras de Guinea Bissau en busca de todo menos de encontrarte a tu mismo. ¿Qué vas a encontrar en esas tierras lejanas? Cosas maravillosas aunque no brillen ni sean atractivas. Te mando una muestra de Arte Nimba para que lo busques durante tu estancia.
Te echamos de menos,
Carmen

2006-11-22T15:02:00.000-08:00

Lo vi un día en Amsterdam. En otra ocasión os contaré todo lo que vi en ese viaje y sobretodo en el Van Gogh Museum. Pero ahora os quiero hablar de lo que veo cada día. Hoy he trabajado 12 horas no es el primer día, tampoco es el último. Me gusta mi trabajo y me gusta pensar en mi trabajo. Cuando pienso cojo un bolígrafo o un lápiz y lo muevo muy rapidamente. Hay quien mira al infinito yo, cada día, cada día, cada día cuando pienso miro a este cuadro. Gente que anda. Yo ando en mi pensamiento. Movimiento de la lluvia que cae, mis pensamientos caen de la misma forma. Aguas turbulentas, vamos a removerlo todo. Y un puente, un puente de mi color favorito que va de un extremo a otro. De un pensamiento a otro. Y todo emmarcado de la originalidad más brutal, de algo que no entendemos. Este es mi cuadro.
Carmen

2006-11-15T11:27:00.000-08:00

Querida Carmen, estoy en México, en casa de los nietos de Frida Kahlo.
Aqui te cuento su historia. un beso muy grande!! Henry,

Kahlo, Frida (1907-1954), pintora mexicana que realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. Hija del fotógrafo judioalemán Guillermo Kahlo, Frida nació en Coyoacán, en el sur de Ciudad de México. A los 16 años, cuando era estudiante en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad, resultó gravemente herida en un accidente de camión y comenzó a pintar durante su recuperación. Tres años más tarde le llevó a Diego Rivera algunos de sus primeros cuadros para que los viera y éste la animó a continuar pintando. En 1929 se casaron.Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo. Al igual que Rivera, quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folklore y del arte popular de su país. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista.

Sus cuadros representan fundamentalmente su experiencia personal: los aspectos dolorosos de su vida, que transcurrió en gran parte postrada en una cama, son narrados a través de una imaginería gráfica. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral. Su dolor ante la imposibilidad de tener hijos lo plasma en Hospital Henry Ford (1932, colección Dolores Olmedo), en la que se ve a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Otras obras son: Unos cuantos piquetitos (1935, colección Dolores Olmedo), Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) y Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo).

2006-11-12T03:12:00.000-08:00

Aparentemente Seurat no me dice nada. Pero al admirar con detenimiento sus dos orillas puedes ver la belleza de sus cuadros, aunque más que la belleza me interesa su mensaje. En el la exposición del Art Institute of Chicago no dijeron NADA, absolutamente NADA. Los críticos norteamericanos siguen obsesionados en la forma, el color,... y eliminan cualquier mensaje que la obra pueda tener. Qué mensaje más claro que estas dos orillas contrapuestas? La orilla de los proletarios, sucia, con cuerpos semidesnudos, con las chimeneas al fondo. Y la orilla de los ricos tan ricos que se pueden permitir monos de importación y que no nadan (o se bañan) sino que van en barca. Faltaría más! Que la misma agua que ha tocado a los proletarios les tocara a ellos! Nada de esto dijeron los del Art Institute. Solo hablaban del puntillismo, de la sombras, de los vestidos de los ricos. Muy mal señores, muy mal. Esperemos que con la nueva administración esto cambie.
Carmen

2006-11-10T09:08:00.000-08:00

Querida Carmen, siento la tardanza. Sé que te preocupas con facilidad por mis largas ausencias.
Estuve cruzando el océano con "The Majestic Queen", un trasanlántico que partió de Lisboa.
En este largo crucero hice buenas migas con un pintor llamado Modigliani. Nos hicimos tan amigos que estuve todo el crucero posando para él. Aquí te mando el retrato que hizo de mi...
Crees que guarda semejanza conmigo? No te parezco demasiado seco? Demasiado inexistente?

Presiento para este personaje interesante una agitada vida.

Amedeo Modigliani nace en la ciudad toscana de Livorno en 1884, en el seno de una familia relativamente acomodada de judíos sefarditas. Es el menor de cuatro hermanos -el primogénito, Emmanuel, habría de ser un importante dirigente del Partido Socialista Italiano- fruto del matrimonio entre Flaminio Modigliani, un comerciante de origen romano, y Eugenia Garsin, mujer culta y progresista que ejercerá una poderosa influencia en el joven Amedeo.Muy pronto se manifiestan dos de los rasgos que marcarían su vida. Con once años padece una grave pleuritis, de cuyas secuelas nunca se recuperó, y, dos años después, inicia sus clases de dibujo con la autorización de su madre, que -según confiesa en su diario- ve en esta actividad una salida al "estado de languidez" en que se encuentra el joven. De esta forma, Modigliani, a diferencia de la mayor parte de sus colegas de origen burgués, nunca encontrará oposición familiar a su vocación artística.

La primera exposición individual del pintor italiano, realizada en la galería de Berthe Weill, es clausurada por la policía a causa de unos desnudos -calificados de inmorales-que se mostraban en el escaparate de la sala. Ese mismo año conoce a la que sería su última compañera, Jeanne Hébüterne, una joven de diecinueve años con la que tendrá su única hija reconocida, Jeanne. Poco a poco consigue vender obras, pero su salud empeora y se agrava su dependencia de las drogas y del alcohol. Consumido por la enfermedad, tras una semana de terrible agonía en que la pareja permanece recluida en su estudio, sin comida y sin solicitar ayuda a nadie, el pintor muere en enero de 1920 en un hospital de París. A las pocas horas, su compañera, que se encontraba ya en el noveno mes de gestación, se suicida arrojándose desde la ventana de su piso.

un beso, Henry,

2006-11-06T12:45:00.000-08:00

Hace muchos años dos hermanas de 16 y 9 años dijeron a sus padres que querían entrar en esa pequeña puerta de la plaza, los padres les dijeron que les esperarían tomando un capuccino en la terraza del bar. Ellas entraron y dentro se encontraron el mundo más mágico que núnca han visto: los cuadernos de Leonardo da Vinci. Lo que más le cautivó a la pequeña fué un dibujito de un señor tirándose en paracaidas. La mayor, que aun no había perdido la capacidad de maravillarse, lo anotó en su pequeña libreta, reprodució el dibujo y lo guardó para un día, muchos años después explicártelo en su blog.
Carmen

2006-11-05T07:07:00.000-08:00

Querida Carmen:

me encuentro en Saint Etienne, en la granja de una amiga obsesiva de Pollock.
En su recibidor tiene esta pintura increible. Conoció a este autor gracias a su peluquero.
¿te imaginas el peinado que lleva mi amiga?

Jackson Pollock, el creador y mayor representante del Action Painting, nació en Cody, Wyoming, Estados Unidos en 1912 y estudió en la Art Students League de Nueva York con Thomas Hart Benton. Estuvo varios años viajando por el país y dibujando. A finales 1930 y 1940 colaboró en Nueva York en los Proyectos de la Administración para el Federal Art Project (proyecto de artes federales). Sus primeras obras, en el estilo más libre y abstracto, como en La Loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York)

A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar colocada en el suelo, por medio de palos y cucharas, en lugar de los tradicionales pinceles. Mediante este método Pollock realizó esquemas de formas entrelazadas como se observa en los ejemplos Full fathom five y Lucifer (ambas de 1947, Museo de Arte Moderno, Nueva York). También pertenece a esta época Marrón y plata I (1951, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). A partir de 1950 su estilo cambió de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista. Entre las pinturas de su último periodo destaca Ocean grayness (1953, Museo Salomon R. Guggenheim, Nueva York).
Murió el 11 de agosto de 1956 a consecuencia de un accidente de automóvil.

espero tener noticias tuyas muy pronto.
te quiere.
henry.

2006-11-04T10:22:00.000-08:00

Jana Sterback no me gusta demasiado pero después de tu blog he pensado que debía hablar de una mujer. Siempre con la maldita obligación de incluir a las mujeres en todo lo que hacemos. Como si fueramos focas en extinción.
Jana Sterback pensó en estas sillas con respaldo y base de hielo, se derriten y se caen. Poético. Poético y punto. Que triste, Jana.
What should happen if...
Carmen

2006-11-03T09:33:00.000-08:00

QUERIDA CARMEN:

Me encuentro en Dusseldorf, pero muy pronto partiré hacia Méjico, donde espero reunirme con la nieta de la autora de este cuadro, llamado: "el paraiso de los gatos". Creo que puede llevarme por el buen camino. Te cuento algo sobre esta magnífica artista, que fue discípula de Dalí.

Remedios Varo nació en España en 1908, desde muy pequeña tuvo la intención de expresarse por medio de la pintura; en su afán de manifestar el mundo que la rodeaba, consiguió crear un cosmos pictórico lleno de poesía e imaginación.

Su obra nos transmite las fantasías que vivió en sus primeros años, su adolescencia estuvo cargada de una sensibilidad especial que afortunadamente no fue opacada por el régimen de vida que llevó dentro de un internado carmelita. Muchas de sus pinturas son el reflejo de esos años, la soledad que vivió se manifiesta en figuras simbólicas que además dan a conocer su carácter rebelde, el cual debió someterse a interminables reglas que no le permitían expresarse libremente.

Afortunadamente no esperaría mucho para lograr escapar de ese mundo tan opresivo, ya que a los 15 años fue admitida en la Academia de San Fernando, donde estudió arduamente varios años hasta terminar una muy sólida educación.
El ambiente artístico de la academia le permitió conocer el movimiento surrealista, muy de moda en ese tiempo; su atracción consistía en que podía retratar las emociones más recónditas de la artista en figuras y símbolos que antes no eran admitidos.

Remedios Varo era una figura del primer orden de surrealistas. Empujó limitaciones de lo racional en sus interrogaciones de los poderes metafísicos en la exploración de temas de alquimia y pitagorismo. En sus obras vemos identificaciones de la mujer con poderes misteriosos y regenerativos conectados a la naturaleza, como en Exploración de los orígenes del río Orinoco. Ella rechazaba representaciones de la mujer impuesta por los hombres del movimiento surrealista, como Dalí y Bellmer, porque representaban la mujer como un objeto de deseo de los hombres. Ella pintaba la mujer en la perspectiva de su propia experiencia.

te quiere.
henry.

2006-11-01T15:06:00.000-08:00

Fuimos a Florencia con mis padres y mi hermana. Cuando ya estábamos muy cansados entramos en un pequeño y oscuro palacio. Grandes salas, altos techos, no era un museo pero había una exposición. Los cuadros parecían haber sido pintados para ese edificio, cuadros oscuros, con mil sombras, con detalles imperceptibles. Era una exposición de Caravaggio, luces y sombras, oscuridad y tenebrosidad. Oscuridad y claridad dirán algunos pero yo no lo veo así. Yo veo oscuridad y tenebrosidad.
Judith no estaba ese día, tampoco ninguno de sus cuadros famosos, tampoco la chufa que hace meses visitó Barcelona. No, ahí teneían unos Caravaggios no aptos para curiosos, Caravaggios peligrosos y preciosos. Frente a esos cuadros no te podías detener a pensar, solo a mirar, a buscar, a buscar más y a admirar cada pequeño detalle, el más minúsculo es el que más satisfacción te da. Es curioso como algunos artistas te hacen pensar y otros te obligan a observar.
Carmen

2006-10-31T02:02:00.000-08:00

querida carmen, te escribo desde Dusseldörf, en mi eterna búsqueda de la piedra zodiacal.

Te expongo aquí mi última adquisición. El autor se llama Francis BACON, y su obra: DWARF. Aunque nació en Dublín y toda su niñez transcurrió en Irlanda, se le suele considerar un pintor inglés de origen irlandés debido a las raíces familiares ingleses. Su padre entrenaba caballos de carreras en Dublín pero debido a la Primera Guerra Mundial tuvo que mudarse con su familia a Londres en 1914, debido a esto entre 1914 y 1925 su familia vivió entre Inglaterra e Irlanda, por lo que Bacon tuvo una educación particular.

Aunque para algunos autores la obra de Francis Bacon no pertenece al racionalismo. Se trara de una pintura de corte expresionista pero muy difícil de clasificar, porque nunca perteneció a ningún movimiento artístico. Simplemente prosiguió lo que él consideró [en las entrevistas publicada que le hizo David Sylvester a lo largo de los años sesenta] una linia pictórica "postpicasiana", tomando la puerta abierta que Picasso dejó con la figuración y la representación obsesiva del cuerpo humano. Según el filósofo francés Gilles Deleuze, autor de uno de los ensayos que mejor analizan la obra del pintor(Francis Bacon: Logique de la sensation), la figuras de Bacon son las que mejor representan al hombre del siglo XX, si Cézanne lo hizo con el Paisaje, Giacometti y Bacon llevaron al hombre a su mejor representación artística, en relación al hombre angustiado por la vida, pero entusiasmado por el arte.

esto es todo por hoy.
Te quiere Henry.

2006-10-30T16:29:00.000-08:00

Canaletto me parecía aburrido, en clase de Historia del Arte miraba la pequeña pintura de Canaletto del libro, siempre me acordaba de su nombre, tan sonoro Canaletto, Canaletto. Hace años el CCCB organizó una exposición de sus cuadros, fuí un sábado por la mañana con mi libreta blanca. Los cuadros no eran aburridos, esos cuadros me hablaban, sus gentes, retratados como minúsculos puntitos me hablaban, una señora con su hijo venían a vender sus productos, los abogados discutían sus leyes, los comerciantes hacían contactos, los moros se lo miraban con elegancia, los niños pobre pedían limosna y todo con tanto movimiento!

Hace un año por mi cumpleaños me regalaron un puzzle de Canaletto, lo hize tan rápido como pude y lo colgué en el comedor. Mis amigos se ríen, dice que parece una casa de viejos. El día que ellos entiendan lo que es mirar detalladamente un Canaletto sentiran una pequeña flor blanca florecer en su interior. Será una flor de paz y felicidad, durará poco porqué viene de otro pero será fantástica mientras les dure. Viva Canaletto!
Carmen

2006-10-30T05:04:00.000-08:00

EDWARD HOPPER
Nacido en Nyack, una pequeña ciudad a orillas del río Hudson en una familia culta y burguesa.

Imágenes urbanas o rurales, inmersas en el silencio, en un espacio real y metafísico a la vez, que comunica al espectador un sentimiento de alejamiento del tema y del ambiente en el que está inmerso bastante fuerte. Hopper consigue esto por medio de una esmerada composición geométrica del lienzo, por un sofisticado juego de luces, frías, cortantes e intencionadamente "artificiales", y por una extraordinaria síntesis de los detalles. La escena aparece casi siempre desierta; en sus cuadros casi nunca encontramos más de una figura humana, y cuando hay más de uno lo que destaca es la alienación de los temas y la imposibilidad de comunicación resultante, que agudiza la soledad.

esta obra es de 1965 y se llama "chair car"

2006-10-29T13:17:00.000-08:00

Mark Rothko

Poco sé de Mark Rothko pero desde hace años tengo uno de sus cuadros “Orange & Yellow” en la entrada de mi piso. Rothko me da paz en la entrada de mi casa.

La primera vez que vi un Rothko de verdad fue en Valencia, inmenso, majestuoso, pusieron un banco en frente del cuadro, era un día entre semana, no había nadie en el museo, me senté y miré, me senté y me quedé sentada mucho rato, solo respirando, sin pensar nada. Lo que no he conseguido con horas de medicación lo conseguí delante de un Rothko. Hace tiempo leí histórias oscuras sobre Jackson Pollock y Rothko cobrando de la CIA o del FBI (siempre los confundo) para hacer un tipo de arte vacio, y yo voy y se me queda el cerebro en blanco delante un Rothko.

Qué crees que pensaban los de la foto mientras estaban sentados en los bancos?

Carmen